MARI ITO
SOLO EXHIBITION - PETITS DESIRS -
from April 17th to May 27th
Mari ito : Desire in Bloom
Mari Ito (Tokyo, 1980) is a Japanese artist based in Barcelona since 2006. She trained at the Joshibi University of Art and Design, specializing in nihonga, a traditional Japanese painting technique using materials such as washi paper, sumi ink, and natural pigments. Her work fuses this tradition with Western influences, creating a unique visual language.
The central theme of Mari Ito’s work is the exploration of human desire and its origins. Inspired by Sigmund Freud’s psychoanalytic theory, especially the concept of the id, Ito depicts these impulses through images of anthropomorphic flowers and dreamlike compositions. These flowers, often bearing faces or gestures, symbolize repressed emotions and desires—particularly in cultural contexts where their public expression is avoided.
Her work also reflects an animistic worldview, in which each natural element possesses a soul or consciousness. This manifests in representations where plant life comes alive, establishing a dialogue between the human and the natural, inviting the viewer to reflect on the duality of human emotions and the connection between the subconscious and nature. Natural elements are not simply there to be admired; they are alive, they watch us, they interact with us.
Her compositions flow without rigidity, and each element seems to grow organically. In this visual universe, the influence of Catalan modernism is apparent in her appreciation of the organic, the curved, and the vegetal. As in the sinuous forms of Art Nouveau, Ito embraces this sensitivity in a natural dance of organic forms—bridging the symbolism of modernism and Japanese animism, where everything—a flower, an eye, a root—may possess a soul.
This contrast between East and West, between the psychic and the ornamental, between the botanical and the profound, gives her work an ambiguous quality: beautiful, yet charged with a disturbing energy; tender, yet provocative. Mari Ito does not aim to depict desire: she lets it grow, blossom—like a flower in constant transformation.
This allows Ito to speak of desire, the unconscious, of what pulses within us, through a visual language filled with living symbols. Rather than directly representing emotions, she allows them to bloom freely.
Her art invites us to pause, to observe attentively. Sometimes, beauty can be strange, and the strange, deeply human. Ito seems to tell us that our most primal impulses are not far from the delicacy of a flower. One only needs to look with different eyes.
At the intersection of desire (Freud’s id) and the soul of things (animism), her work finds its own voice: intimate, exuberant, colorful, eccentric, yet deeply relatable.
Among her most well-known works is the pictorial intervention Is it spring? in the Universitat metro station in Barcelona, created in 2017. This piece celebrates the arrival of spring and symbolizes rebirth and transformation.
In 2019, Ito presented the exhibition The Garden of Desires of Contemporary Japan in Zaragoza, where she explored these themes through paintings, folding screens, and installations. Her work has been exhibited internationally, noted for its ability to transform the intimate into vibrant images that invite introspection.
KIki M. Angles
個展 — 小さな欲望（Petits Désirs）
2024年4月17日 − 5月27日
マリ・イトウ：咲きゆく欲望
マリ・イトウ（1980年、東京）は、2006年よりバルセロナを拠点に活動する日本人アーティストです。東京の女子美術大学にて日本画を専攻し、和紙、墨、天然顔料などの伝統的な素材と技法を学びました。彼女の作品は、この日本の伝統と西洋的な影響を融合させ、独自の視覚言語を生み出しています。
マリ・イトウの作品の中心にあるのは、人間の欲望とその起源の探求です。Sigmund Freudの精神分析理論、特にイド（id）の概念に着想を得て、イトウはこうした衝動を擬人化された花や夢幻的な構成によって表現しています。顔や身振りを持つ花々は、抑圧された感情や欲望、特にそれらの公的な表現が抑えられがちな文化的文脈における内面を象徴しています。
また彼女の作品は、自然界のあらゆる要素に魂や意識が宿るとするアニミズム的な世界観にも深く根ざしています。植物が生命を帯びるように描かれ、人間と自然との対話が生まれることで、観る者に感情の二面性や無意識と自然とのつながりについての思索を促します。自然は単なる鑑賞対象ではなく、生き、私たちを見つめ、相互に関わる存在として現れます。
彼女の構成は硬直することなく流動的で、それぞれの要素が有機的に成長していくかのようです。この視覚世界には、有機的で曲線的、植物的な要素への関心という点において、カタルーニャ・モダニズムの影響も見て取れます。アール・ヌーヴォーのしなやかな形態と同様に、イトウは有機的なフォルムの自然な動きを受け入れ、日本的アニミズムとモダニズムの象徴性を結びつけています。そこでは、花、目、根といったすべてのものが魂を持ちうる存在となります。
東洋と西洋、精神性と装飾性、植物的なものと深層的なものとの対比は、彼女の作品に曖昧で魅力的な性質を与えています。それは美しくありながらどこか不穏であり、優しさと挑発性を同時に内包しています。マリ・イトウは欲望を描くのではなく、それを育て、咲かせます——絶えず変化し続ける花のように。
このようにして彼女は、欲望や無意識、そして私たちの内側で脈打つものを、生きた象徴に満ちた視覚言語によって表現します。感情を直接的に示すのではなく、それらが自由に開花することを許すのです。
彼女の作品は、立ち止まり、注意深く観ることを私たちに促します。時に美しさは奇妙であり、奇妙さは深く人間的でもあります。イトウは、最も原初的な衝動が花の繊細さと遠く離れてはいないことを示しているのかもしれません。ただ異なる視点で見ることが求められているのです。
欲望（フロイトのイド）と万物の魂（アニミズム）の交差点において、彼女の作品は独自の声を獲得しています。それは親密で、豊かで、色彩にあふれ、時に風変わりでありながら、深く共感を呼び起こします。
代表作のひとつに、2017年にバルセロナの大学駅（Universitat駅）で制作された壁画《Is it spring?》があります。この作品は春の訪れを祝福し、再生と変容を象徴しています。
2019年にはサラゴサにて「現代日本の欲望の庭」展を開催し、絵画、屏風、インスタレーションを通してこれらのテーマを展開しました。彼女の作品は国際的に発表されており、親密な感情を鮮やかなイメージへと昇華し、内省へと誘う力で注目されています。
Kiki M. Angles
Naotsugu Hashimoto
LA MEMOIRE DU TRAIT
The work of NAOTSUGU HASHIMOTO belongs to the field of contemporary printmaking, primarily through the use of drypoint combined with chine-collé. His practice is characterized by a formal economy: few elements, pared-down compositions, and a predominance of black.
His prints are constructed around line and materiality. Drypoint allows him to obtain a vibrating line — at times fragile, at times incisive — that preserves the direct trace of the gesture. Chine-collé introduces an additional dimension of texture and depth, reinforcing the relationship between surface and space.
Although his forms may appear abstract, they do not seek spectacle. Instead, they privilege an inner tension, a subtle balance between presence and emptiness. Black is not merely a color in his work; it becomes density, silence, resonance.
Taken as a whole, his work invites attentive contemplation. Through the apparent simplicity of his compositions, HASHIMOTO explores the depth of the line, the materiality of paper, and the expressive strength of minimal means.
Kiki M. Angles
NAOTSUGU HASHIMOTO の作品は、現代版画の領域に位置づけられ、主にドライポイントとシン・コレ（chine-collé）の技法を用いて制作されています。彼の制作は、要素を最小限に抑えた構成と黒を基調とする画面によって特徴づけられます。
作品は、線と素材性を中心に構築されています。ドライポイントによって生まれる線は、ときに繊細で、ときに鋭く、作家の直接的な身振りの痕跡をとどめています。シン・コレは質感と奥行きを加え、画面の表層と空間との関係をより豊かなものにしています。
その形態は抽象的に見えるかもしれませんが、視覚的な効果を追求するものではありません。むしろ、存在と余白のあいだに生まれる内的な緊張感や、繊細な均衡を大切にしています。ここでの黒は単なる色彩ではなく、密度であり、沈黙であり、響きでもあります。作品全体は、静かで注意深い鑑賞へと鑑賞者を誘います。表面的には簡潔に見える構成のなかで、HASHIMOTO は線の深さ、紙の物質性、そして最小限の手段による表現の力を探求しています。